riccardascrive.it

Dalle Sculture in possesso di Unipol, allo spazio esterno che si rende ambiente. Ma prima ancora, per arrivarci, disegni, acquerelli, sketchbook. Generi diversi che si fondono negli eleganti spazi Cubo di Bologna e che compongono la graduale evoluzione poetica di Beverly Pepper, una delle scultrici pionieristiche del XX secolo, e della sua land art, in mostra fino al prossimo 24 gennaio 2026. Arte nell’ambiente da vivere collettivamente, come spiega il curatore della mostra Marco Tonelli:

Lei ha sempre cercato di fare degli spazi in cui l'opera non fosse qualcosa di collocato sopra ma quasi che nascesse dai declivi, dai pendii, dalle voragini del terreno. A volte ci sono degli ombelichi, degli omphaloi, a volte sono delle colline tagliate, dei piccoli camminamenti su declivi dentro spazi naturali a cercare di fondere l'esperienza umana e quella della natura, senza nessuna sovrastruttura, ma quasi in maniera antica come era un po' il teatro per i Greci in cui la scenografia naturale è la visione del paesaggio.

Trentasei lavori, più foto e video, dal 1965 al 2018 per i temi tipici della Pepper, più che mai attuali e tutti correlati, arte, ambiente, comunità, memoria collettiva, e non solo.

Beverly Pepper è un’artista molto attuale per quanto riguarda ovviamente anche il trattamento di alcuni temi che appunto vedono l'arte come una forma in qualche modo anche di terapia, spiega Arianna Bettarelli, responsabile archivio fondazione Beverly Pepper, non terapia nel senso scientifico ma nel senso sociale, cioè di un'arte che connette le persone alla propria identità, all'identità collettiva, alla costruzione di comunità e quindi anche alla coscienza di se stessi e alla riattivazione di una propria coscienza contro l'alienazione, il lavoro che aliena, la tecnologia che aliena in tal senso, piuttosto che essere sfruttata per fini sostanzialmente appunto più umani e meno, diciamo, della macchina.

Riccarda Riccò

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https://youtu.be/_-RdNWBi54w

Lituania e Bologna insieme, al Mambo, in una mostra e in un film. 

Il tutto è possibile grazie a una installazione, un grande diorama con al centro un camion incidentato dell’Unione Sovietica e vari materiali provenienti dalla Lituania. 

Dalla pancia del camion la proiezione di un film, “Firestarter”, su cui l’artista lituano Kipras Dubauskas ha lavorato durante gli anni del Covid nel corso di una residenza di ricerca a Bologna. 

Temi centrali: soccorso, salvataggio, salvazione nella nostra società, come spiega la curatrice Elisa Del Prete:

La residenza si è svolta tramite una pratica tipica dell'artista che è quella della deriva urbana, di esplorazione delle periferie, della ricerca di materiali, di zone ai margini e questa esplorazione ha diciamo messo a fuoco un luogo molto speciale di Bologna che però è per lo più nascosto, che è quello dei canali.

Quella raccontata è dunque una Bologna atipica che ruota attorno a Sant’Antonio Abate, portatore del fuoco, metafora delle crisi in corso. 

Il mondo visionario e simbolico del film si riflette nella mostra e nei suoi materiali visibili fino all’11 gennaio 2026.

Una delle pratiche dell’artista, spiega il curatore Andrea Pastore, è proprio quella di prendere questi materiali e dare un nuovo senso, anche ai materiali, anche a quelli abbandonati, proprio perché l'artista ne vede la memoria e quindi la traccia dei segni di usura del tempo. In più, aggiunge Pastore, l'artista ha anche aggiunto bruciature varie e quant'altro, proprio per marcare l'energia che danno questi materiali.

Riccarda Riccò

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https://youtu.be/eATa4p6TZwQ

Sono immagini del passato ma con un nuovo ideale di lavoro. La 12a personale di Franco Guerzoni in mostra alla Galleria Studio G7 di Bologna fino al 27 dicembre 2025 sa di progetto in continuità con le tele precedenti, ma con la sensazione dello strappo, come spiegato dallo stesso artista impegnato in alcune mostre pubbliche tra Europa e Stati Uniti, e intervistato nel suo atelier modenese:

Ho realizzato un grande dipinto con una grande pala che comunica se stesso intorno alle pareti della galleria. Diciamo che è un dipinto che mostra il suo ventre e dal ventre escono questi dettagli che poi sono sempre un corteggiamento della parete. E' la poetica della parete. Si potrebbe dire che è la parete vissuta come un libro da sfogliare, quindi sono quasi pagine, diciamo, pagine di muro.

“Fuori dal dipinto”, come da titolo della mostra, come da posizione dello spettatore, tra suggestioni archeologiche, e tempo che scorre, stratificando memorie e racconti da accettare, senza troppe congetture.

Con la voglia di scoprire, con la voglia di vedere cosa c'è sotto l'ultimo stucco della parete, continua Franco Guerzoni, vedere questa parete come una proiezione che ti consente un viaggio verso il passato. Volevamo fare una cosa che fosse morbida, che non volesse aggredire, , che non volesse strafare e credo che tutto sommato ci sia un racconto implicito sulle pareti che lo spettatore può ricevere senza troppi..., come dire, senza farsi troppe domande.

Riccarda Riccò

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https://youtu.be/zU683KConio

La storia dimostra come sia possibile per i fedeli di diverse religioni confluire nello stesso santuario per pregare insieme in modo pacifico. E tanti casi di partecipazione sono illustrati nella mostra fotografica 

“Al di là dei confini. Luoghi sacri condivisi" curata da Dionigi Àlbera e Manoël Pénicaud

Viviamo in un’epoca in cui i confini proliferano, in cui si ergono dei muri di disperazione, e le religioni sono spesso anche convocate come un fattore di divisione, spiega Dionigi Albera. Questa mostra invece ci propone un viaggio in uno spazio intermedio appunto al di là dei confini. Ci mostra che esistono dei luoghi sacri condivisi.

Dal 2015 a Marsiglia, la mostra ha toccato paesi in tutto il mondo, ed è ospitata alle collezioni comunali d’arte di Bologna fino al 23 novembre 2025, con il suo forte messaggio.

Questa mostra vuole essere un messaggio di speranza nonostante tutto, e ci mostra che le persone possono essere in grado di convivere in modo pacifico, superando le distanze e le differenze, quando le condizioni politiche sono date, continua il curatore Dionigi Albera.

E' una mostra che ci mette in guardia contro le strumentalizzazioni della dimensione religiosa e ci presenta tutta una serie quindi di situazioni di convivenza, di coesistenza e da questo punto di vista è credo controcorrente rispetto a delle immagini che dominano nella sfera mediatica.

Nella locandina, un’ebrea e una musulmana pregano insieme. Un’immagine ancora distante dai tempi bui di oggi , ma che fa riflettere e sperare.

Riccarda Riccò

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https://youtu.be/5NEhRxWHYQ4

Da ironico quale era, forse avrebbe strizzato l’occhio alla sua morte così imminente, avvenuta pochi giorni dopo l’inaugurazione della sua prima mostra in Italia. L’iconico Jack Vettriano (Methil, 1951-Nizza, 2025) è infatti stato trovato morto nella sua casa di Nizza il primo marzo scorso, proprio mentre le sue tele sono esposte a Palazzo Pallavicini che diventa quindi un tributo alla sua memoria, fino al 21 settembre. Quello che emerge dalle 70 opere, tra oli, grafiche a tiratura limitata e fotografie, è un mondo sensuale ed elegante, in cui dettagli come rossetti, tacchi e cravatte, diventano simboli di erotismo, nostalgia e possibilità in sette macroaree.

C’è tanto di lui nelle sue tele, definite autobiografiche. Intime e introspettive, diventano metafora di un’esistenza in bilico tra ombra e luce. Varcare la sezione In The Mood del pittore scozzese, onorato da Elisabetta II d’Inghilterra, significa esplorare atmosfere contradditorie. I dettagli sono un invito all’immaginazione, a quello che potrà essere o che forse è stato, ma che non è mai del tutto svelato: tacchi alti e corpi di schiena, come in Queen of Hearts (2010 circa) o in Another Married Man (2017), sguardi languidi che suggeriscono ma non garantiscono, in una tensione che parla all’inconscio. Stesse sensazioni nell’area I Put A Spell On You, celebrazione della bellezza di una donna erotica che ammalia ed esalta il tempo dell’attesa con un fascino elusivo.

Tempus fugit, diceva Virgilio, e scorre nostalgico anche sulle tele di Vettriano che nel mare delle sezioni Now’s the time e Where The Light Meets The Sea, parla di caducità. Le orme sulla sabbia non hanno scampo e se non è l’onda è il vento che sorprende e porta via, sfumando i contorni degli ombrelli e delle esistenze, mentre ci si lascia andare a una danza sulle note di Sinatra (come immaginato da Vettriano) cantate da The Singing Butler (1992) l’opera più famosa, venduta nel 2004 per 744.500 sterline, un milione di euro.
Tanta danza anche nell’area Dance me to the end of love, dove è il linguaggio del corpo a celebrare la vita, invitando ad addentrarsi in modo leggero nelle sue vicende e a iniziare nuove strade, come The Drifter (1996) o The Road to Nowhere (1996).

Settant'anni di Facile Ironia al MAMbo di Bologna

Un espediente affascinante per celebrare il cinquantesimo della Fondazione della Galleria d'Arte Moderna 

Nonostante il titolo della mostra collettiva del MAMbo di Bologna, curata da Lorenzo Balbi e Caterina Molteni, l’ironia non è facile perché implica una critica, ma è un espediente affascinante e variegato, adatto a celebrare il 50esimo anniversario della Fondazione della Galleria d’Arte Moderna di Bologna

Per i 50 anni abbiamo pensato a questa mostra che è una passeggiata nell'arte italiana delle ultime generazioni, dice Lorenzo Balbi, direttore del MAMbo e curatore della mostra, e avevamo bisogno di un filtro, un filtro per raccontare questi decenni al nostro pubblico e abbiamo trovato il filtro dell'ironia.
La mostra esplora varie possibilità di sviluppo del registro ironico. Dall'ironia come paradosso, l'ironia come gioco, fino ad arrivare agli esiti dell'ironia utilizzata come strumenti di lotta femminista, di propaganda politica, o ancora più recentemente fino agli sviluppi sul web della memestetica e del nonsense.

Attraverso macro aree tematiche di diversi colori, sono più di cento le opere esposte fino al prossimo 7 settembre, per oltre 70 artisti che coprono una settantina d’anni con l’occhio tutto italiano della dissimulazione, per divertire e far riflettere.

Si va dai primordi del discorso ironico con il Surrealismo e la Metafisica di De Chirico, Donghi e Savinio, spiega Balbi, e si arriva fino alle recentissime espressioni di artisti e artiste contemporanei che sono stati chiamati a esporre le loro opere prodotte apposta per questa mostra. 

Oltre 25 opere risalenti agli Anni 80 e caratterizzate da una visione astratta ma densa di carica esistenziale.  Sono gli oli e i pastelli di William Congdon, pittore statunitense spesso assimilato al gruppo degli espressionisti astratti americani, in mostra alla Fondazione Lercaro di Bologna fino al 3 agosto, con il suo stile particolare che lo ha reso unico.

L’esposizione, dal titolo Paesaggio come misura del corpo, si focalizza sulla rappresentazione trasformata e astratta della pianura padana dove l’artista ha vissuto a lungo.

Impossibile non fermarsi a guardarla, tanto è imponente, la scultura L’ombra di Guernica del catalano ma bolognese d’adozione Joan Crous, posta all’ingresso della navata di destra della Basilica di San Petronio a Bologna. Un’opera che reinterpretando la famosa tela di Pablo Picasso e dell’orrore della guerra con la città di Guernica bombardata 88 anni fa, rende omaggio a Papa Francesco, e al suo messaggio di pace. Ma non solo, come spiega Don Andrea Grillenzoni, Primicerio San Petronio:

il pensiero che sta sotto l'opera di Joan Crous è il medesimo pensiero che esprime Papa Francesco quando parla della cultura dello scarto che anima purtroppo la nostra società e Papa Francesco dice, finché ci saranno persone scartate, messe al margine perché non partecipano, non producono utile per la nostra società, ci sarà ingiustizia, e quando c'è ingiustizia non c'è pace, perché ci sono tensioni sociali. Ecco allora che l'opera di Joan, che è un'opera di riuso, di riciclo, parte dagli scarti, gli scarti più vari, di qualsiasi genere. Costituiscono la base di questa opera così grande, no? Ecco, appunto, rendono tutta l'opera un simbolo.

Dalla natura all’arte, o meglio, dalla meraviglia dei calanchi delle argille azzurre alle espressioni artistiche di chi quei luoghi ha conosciuto. Un Azzurro Fragile che si rispecchia in fisionomie e astrazioni e si declina in opere creative, e dà il titolo al progetto itinerante esposto alle collezioni comunali d’arte di Bologna fino al prossimo 22 giugno.

L’obiettivo della mostra è valorizzare un meraviglioso paesaggio che c'è in Romagna tra Cesena e Castel San Pietro, spiega Matteo Zauli, curatore della mostra, più o meno sulle colline e questi calanchi delle argille azzurre un patrimonio paesaggistico meraviglioso che ha una propria dimensione molto forte nell'arte contemporanea.

La maestosità di quei luoghi si svela in tre sezioni e almeno ventuno artisti, dall’approccio documentaristico, con foto e riprese di Riccardo Calamandrei (Faenza, 1984) e Claudio Betti (Imola, 1947) , all’excursus storico delle xilografie di Francesco Nonni (Faenza, 1885 – ivi, 1975) e delle sculture di Carlo Zauli (Faenza, 1926 – ivi, 2002), per immergersi infine nei molteplici linguaggi degli artisti in mostra, tutti tesi a celebrare bellezza e poesia di una storia naturale antichissima.

Una mostra che nasce nel nome del riuso con una fotografia della scritta “Odio il decoro” scattata a Bologna dal curatore e l’allestimento di una mostra precedente, per parlare del designer Piero Fornasetti e del suo rileggere la borghesia attraverso il decoro, come racconta il curatore della mostra Davide Trabucco:

Fornasetti diventa l'immagine con cui si identifica la nuova borghesia milanese negli Anni Trenta e sicuramente con quell'immagine Fornasetti cerca anche un po' di scherzare, nel senso che prende i codici borghesi che sono tipici del secolo passato, dell'Ottocento e quindi anche le arti applicate le porta nel Novecento che vede concludersi forse questo discorso sulle arti applicate e per tanti anni il lavoro di Fornasetti rimane ai vertici. Il decoro diventa un elemento con cui costruire una sorta di fregio. Tutti gli elementi vengono disposti lungo questi pannelli e vogliono un po' trasformarsi in una sorta di fregio architettonico, come fossero un antico fregio di un tempio greco, quindi ogni elemento vuole anche raccontare una sua storia interna.

E’ la Torre degli Asinelli, simbolo di Bologna e paradosso ottico studiato a livello internazionale a dare il benvenuto al museo delle illusioni tra arte e scienza a Palazzo Belloni. La torre è infatti un mistero di illusione ottica dal momento che, vista dalla finestra del corridoio del monastero di San Michele in Bosco, (oggi ospedale Rizzoli) s’ingrandisce. E diventa sempre più grande più ci si allontana dalla finestra. Mistero perfetto per una mostra in cui arte, tecnologia e matematica mettono alla prova i propri sensi e fanno conoscere nuove cose. Le illusioni e le apparenze sono infatti frutto di studi scientifici e di talento artistico, in una settantina di opere visibili fino al 31 maggio

La mostra si articola lungo un percorso interattivo e coinvolgente per il visitatore che si snoda tra illusione ottica a parete, riproduzione di opere d'arte e installazioni, alcune delle quali consentono scatti fotografici inusuali e molto divertenti, spiega Antonella Cosco, Direttore Operativo. E' anche possibile sperimentare la realtà virtuale tramite l'utilizzo di visori, ma non  si tratta solo di puro svago, la visita rappresenta anche un'occasione per rispolverare o apprendere nozioni in campo scientifico e artistico. Insomma, un museo da cui si esce sicuramente con il sorriso e magari con qualche conoscenza in più.

In questi giorni dovrebbe chiamarsi Sala Pimpa la Biblioteca Salaborsa di Bologna, che in una grande mostra ospita il mondo della famosa cagnolina nel suo cinquantesimo compleanno.

L’abbiamo pensata con Altan, con Chicca Altan che è figlia di Altan e con Salaborsa, quindi con il Comune di Bologna, dice Maria Teresa Panini della Franco Cosimo Panini Editore. E' una sorta di omaggio, di viaggio, all'interno del mondo di Pimpa. Si inizia con una grandissima casa dove i bambini e anche gli adulti possono entrare. La casa è la casa della Pimpa, perché tutte le storie della Pimpa iniziano e finiscono a casa di Armando.

Oltre a questo spazio altre tre sezioni con libri, cartoni animati, disegni, fumetti, pannelli, per immergersi nel mondo di Pimpa e ripercorrere 50 anni di un successo tanto costante quanto rassicurante, come dimostrato dalla linea del tempo costellata dai personaggi della letteratura infantile dagli anni Settanta a oggi, come spiega Maria Teresa Panini:

Diciamo che ipoteticamente ognuno di noi può vedere il momento in cui, nell'anno in cui generalmente guardava la Pimpa, cosa altro poteva leggere in quel periodo lì.

Una certa contemporaneità è poi creata dalla sezione Pimpa off che fa sorridere e riflettere:

Abbiamo raccolto tutti i meme che sono usciti... i meme pubblicabili perché ci sono anche quei meme che non sono pubblicabili, ed è un po' una nuova versione della Pimpa, oltre ad avere anche delle illustrazioni dei giovani illustratori che rivedono un attimo il personaggio di Pimpa, conclude Maria Teresa Panini.

E’ un viaggio quello che si sperimenta nella mostra dell’artista Kotè dedicata a Lucio Dalla nel Chiostro dei Celestini di Bologna fino al 28 aprile.

Perché ogni mezzo creativo, le undici tele, la musica ad esse associate, le fotografie del grande cantautore e anche la poetica sul muro letta con la sua voce, parlano delle nostre vite, come spiega Kotè, pittore, urban e sound artist:

Ho sempre dipinto con le cuffie nell'orecchio e quello mi dava una grande emozione nel dipingere e quindi nell'ascoltare della musica, ed era questo l'esperimento, quello che volevo ridare ai visitatori. Ecco perché ho lavorato con il suono e le canzoni di Dalla separando la sua voce dalla musica e rimontandola con effetti in 8D. Questo aumenta chiaramente un'emotività che in qualche modo i visitatori sempre un po' fugaci in questa mostra invece hanno la possibilità di stabilire proprio un contatto con la tela e quindi anche con le loro emozioni.

A volte basta una canzone, dice il titolo della mostra, per toccare temi come amore, decadenza, guerra, che vengono attualizzati da Kotè diventando individuali e universali allo stesso tempo. Come il lascito di Dalla, come quello che lui amava e voleva

Lucio era amante dell’arte a 360 gradi, dice Andrea Faccani, presidente Fondazione Lucio Dalla,

quindi cosa amava Lucio, Lucio che è un cantante questo lo sanno tutti, ma le sue grandi passioni erano la pittura e il cinema, quindi tutto ciò che riguarda l'arte, noi andiamo avanti per la strada e per gli amori di Lucio.

Presentata da Fondazione Lucio Dalla e Archivio di Stato di Bologna, la mostra visibile fino al 28 aprile,

è realizzata da ArteViva ETS , e fa parte del programma di iniziative che celebrano l’amato cantautore. Come la moltitudine di persone nella tela Felicità , manifesto della mostra e del murale di Kotè donato dalla Fondazione Lucio Dalla alla città di Bologna.

Riccarda Riccò

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https://youtu.be/LVR5jgfkqAA

La sua arte disturba e gli epiteti appiccicati al suo nome ne sono la prova: Joel-Peter Witkin (Brooklyn, 1939. Vive ad Albuquerque, Nuovo Messico), irriverente, maledetto, provocatorio, grottesco. Per citarne pochi. Il fotografo statunitense di fama internazionale riesce infatti a scomodare le nostre sicurezze con delle verità talmente ovvie da diventare sconvolgenti: moriremo e prima ancora, nel farlo, marciremo.

Vita e morte, morte e vita. La sottile linea tra le due è implicita già nel titolo della sua personale alla CAR Gallery di Bologna, fino al 19 aprile, Au Revoir, che dà il nome anche al bozzetto in mostra, una donna malfatta con un drink al pene in mano, insieme a 11 scatti, esposti in collaborazione con il gallerista parigino Baudoin LeBon e lo Studio americano Joel-Peter Witkin.
Il fastidio della sua arte arriva perché lui evidenzia tutto il contrario di quello che il mondo occidentale ignora o mortifica: la devianza, le deformità, il decadimento, la morte. In un mondo dove tutto deve essere giovane, bello e sano, i freaks di Witkin, i cadaveri, gli animali menomati e i frutti putrefatti disgustano. Ma Witkin va oltre, perché riesce a farlo con una raffinatezza e un preziosismo espressivo di alto livello, tanto che la sua arte diventa un ossimoro e gli opposti si impastano.

E’pieno di carne ma è trascendente, ridondante da toccare l’essenziale, surreale e reale al tempo stesso. E’una miscela sputata fuori dal nostro subconscio, con le sue paure e i suoi incubi tenuti a bada da una razionalità incerta e alienata.
È quello che non ti aspetti, il pesce serpente (morto?) che sulla testa di un volto preraffaelita in posa classica, è attirato da un frutto marcescente in Imperfect Thirst (2016). O la premura con cui una donna intensa stringe al petto un teschio in La Belle et La Bête (2017).

Come la nostra vita è un insieme complicato di momenti, così anche le fotografie di Witkin sono l’agito di un lungo processo di ricerca che parte da una rivisitazione della storia dell’arte, passa attraverso bozzetti, posizionamento di oggetti, studio di dettagli, scatto fotografico, graffiatura e macchiatura con emulsioni chimiche dei negativi. Una messa in scena che alla fine diventa ob-scena nei tableaux (vivants?) che sono un costante memento mori e un conseguente carpe diem. Un sipario che rimanda alla simbologia cristiana e a famosi autori della storia dell’arte è Life is an Invention: The Constellation of Balthus (2008), con un collage di cinque umani in pose scomposte un po’deformi, e un gatto appeso a un gancio. Sotto le luci della ribalta di Night in a Small Town (2007) una centauressa fumatrice ha in mano uno spartito e una pianista le fa da contraltare.
Che siano corpi nudi o bestie, morti o vivi, sono tutti territori da esplorare, dissacrare ed esaltare nel grande teatro della vita.

Riccarda Riccò

https://www.artribune.com/arti-visive/fotografia/2025/04/witkin-bologna-mostra/

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https://youtu.be/sU_YDt5c0Zk

Delicato e raffinato, nelle grandi stanze silenziose e nelle teche classiche del Museo Davia Bargellini di Bologna, l’autore di oli e tempere Giacomo Savini  (Bologna, 1768 – ivi. 1842)

viene esposto per la prima volta in una selezione dell’album inedito di oltre 140 disegni, confrontati con la sua produzione pittorica, fino al prossimo 23 marzo.

Abbiamo fatto una selezione di una ventina di disegni e per la prima volta li abbiamo accostati ai dipinti che fanno parte della collezione permanente del Museo Davia Bargellini, spiega Ilaria Chia, curatrice della mostra, più alcuni dipinti che provengono da collezioni private bolognesi. Questa mostra è stata un'occasione anche per attribuire dei nuovi dipinti a Giacomo Savini, per studiarne meglio opera e significato e soprattutto per rendere visibili questi disegni che finora erano rimasti inediti.

Sette sale tutte per lui, e per cercare di esprimere l’energia travolgente della sua arte: Antonio Ligabue (Zurigo, 1899 - Gualtieri, 1965), pittore e scultore italiano tra i più importanti del Novecento, è in mostra nel quattrocentesco palazzo Pallavicini di Bologna fino al 16 marzo 2025, con oltre 120 opere di cui 17 disegni, 14 sculture, 15 incisioni e 81 dipinti  tra cui autoritratti e tigri dalle fauci spalancate.
Le tigri, una firma riconoscibilissima del grande genio visionario che con felini arrabbiati, rapaci violenti e bestie feroci cercava di buttare sulla tela i suoi disagi e tormenti, forse con la speranza di alleviare gli intensi dolori mentali e fisici.

L'antologica che vediamo in questo momento, dice Mario Alessandro Fiori, curatore mostra, è assolutamente completa perché riguarda tutto quello che è la parte tecnica che ha composto Antonio Ligabue, partendo dalla scultura, pittura, disegno e incisioni, quindi le 120 opere presenti raccolgono tutto quello che è il contesto artistico di Antonio Ligabue.

Una giungla  aspra e cruda che rispecchia l’esistenza travagliata del grande pittore espressionista, la malattia, la solitudine,  la vita errabonda di peregrinazioni senza meta, la povertà, le crisi psichiatriche maniaco depressive seguite spesso da attacchi violenti contro sé e gli altri.

Una vita d’inferno di un emarginato denigrato e deriso, che ha trovato un sollievo soltanto nell’arte che arriva a noi oggi con la forza dei suoi dipinti; sempre più apprezzati, a partire dalla fine degli Anni Quaranta del secolo scorso.

La storia di Ligabue va pari passo, continua Mario Alessandro Fiori, quindi chiaramente (il visitatore) riesce a vedere dall'inizio dei primi tempi con la vicinanza di Renato Marino Mazzacurati a dopo, a tutta la parte migliorativa e si fa l'idea del completamento di quello che è a oggi uno degli espressionisti del Novecento italiano più importante.

Voleva essere definita fotografa e non artista, cercando anzi con il suo lavoro di evitare proprio gli effetti speciali i e i trucchi per esaltare soltanto la verità  nuda, cruda e spesso dura. E Tina Modotti (Udine, 1896 - Città del Messico, 1942), esponente di spicco della fotografia e dell’attivismo politico della prima metà del XX secolo, è di certo riuscita nel suo intento. Passionale e coraggiosa, ha usato la fotografia come strumento di indagine, denuncia sociale e studio etnografico, come emerge chiaramente dagli scatti in mostra fino al prossimo 16 febbraio a Palazzo Pallavicini di Bologna.

E' una mostra pensata per raccontare la verità, dice Francesca Bogliolo, curatrice, che è una verità biografica, ma è nello stesso tempo uno sguardo puntuale sulla società del suo tempo posato da una donna assolutamente all'avanguardia per il tempo in cui vive.

Circa 120 opere e alcuni preziosi documenti che esprimono  l’ideologia di una donna forte e anticonformista , che esalta i simboli del lavoro, del popolo e del suo riscatto. Ma non solo.  Una scrittura con la luce, come suggerisce lo stesso significato etimologico della parola fotografia, per comunicare e documentare l’essere umano e l’ambiente che lo circonda, con un intento sociale, antropologico e a volte politico.

Noi da lei possiamo imparare la speranza del guardare, spiega la curatrice Bogliolo. Tina Modotti ha un occhio particolare nel saperci guidare ad appoggiare uno sguardo nuovo sulla realtà, che è uno sguardo fedele a quello che la realtà in effetti è, e che non possiamo fare finta di non vedere.

Piante che fanno il caffè, mandano baci, creano tortellini, molluschi, uova e palline da tennis. Opere in ceramica che ironicamente fanno meditare su quanto l’uomo manipoli la natura andando OltreNatura, come da titolo della mostra di Simona Ragazzi (Bologna, 1969), visitabile fino al 16 febbraio al Teatro Celebrazioni di Bologna che per la prima volta apre le porte ad Art City, in collaborazione con PdB Gallery Contemporary Art.

OltreNatura vuole puntare l'accento su quello che è un discorso di mutazione della natura, spiega l'artista Simona Ragazzi, di volere andare oltre a quello che è già la natura nel suo essere. Sicuramente si troverà delle sculture in ceramica molto ironiche e giocose che dovrebbero indurlo a pensare su quello che è la nostra volontà di voler controllare tutto e di voler manipolare la natura umana, non la natura, la natura da parte dell'uomo.

Attraverso la manipolazione genetica dell’ecosistema, l’essere umano si fonde con esso, come suggerito dal neonato in ceramica nutrito da una foglia, messo sul palcoscenico in occasione della partecipata inaugurazione, in un ambiente multisensoriale in cui il verde predomina e ricorda l’origine green del Teatro Celebrazioni.

Dal bianco e nero degli anni Settanta alla moda coloratissima del nuovo millennio, passando attraverso 10 aree tematiche tra cui turismo, danza, spiaggia, cibo, per assaggiare 50 anni di attività di uno dei più influenti e iconici fotografi del nostro tempo, Martin Parr (Epsom, 1952), che indaga l’umanità  in tutta la sua contraddizione e schizofrenia. 

Tutto quello che sono i comportamenti di massa visti con un occhio critico e allo stesso tempo quasi complice, dice Roberta Valtorta, storica dell’arte, come dire, sono i nostri difetti, sono le nostre debolezze, analizziamole e in un certo senso accettiamole.

Oltre alle 60 fotografie selezionate dall’autore insieme all’installazione Common Sense composta da 250 scatti, anche un’intervista inedita di Roberta Valtorta. Il tutto visibile al Museo civico archeologico di Bologna, fino al 6 gennaio 2025.

Mi interessa notare i cambiamenti nella società, dichiara Martin Parr, e che posso fotografare nel momento in cui avvengono, per così dire, e anche cercare di mettere a fuoco cose che saranno importanti negli anni a venire nella mia fotografia. Quindi sì, sono pienamente consapevole del taglio antropologico del mio lavoro.

Il MAMbo di Bologna si chiamava Galleria d’Arte Moderna e Francesco Arcangeli (Bologna, 1915 - 1974) ne era il direttore. Studioso, critico, storico dell’arte, voleva trasformare quello spazio in un museo, e lo ha fatto alla grande, grazie alle opere da lui scelte in una ventina d’anni e acquisite dal Comune di Bologna. Un’intuizione acuta che si può fruire oggi attraverso il progetto Tramando, con il quale la Pinacoteca nazionale, il Museo Morandi e lo stesso MAMbo gli rendono omaggio nel cinquantesimo anniversario della morte.

Tramando, spiega Uliana Zanetti, curatrice della mostra, è un termine che Francesco Arcangeli ha coniato per indicare quelle che lui definisce le risorgive di una cultura, di una mentalità, di un approccio al mondo, e di una resa formale che si sviluppano all'interno di una determinata area geografica.

Area padana ma non solo: grazie alle sue scelte visibili nella sessantina di opere esposte in mostra fino al 6 gennaio 2025, da Klimt a Morandi passando attraverso Burri e Guttuso, solo per citarne alcuni tra i più noti, Arcangeli ha dato alla critica dell’arte suggestioni attive importanti.

Indaga i temi della memoria e della perdita attraverso l’arte la mostra dal titolo PERSO[A]NOMALIA, dell’artista polacco Robert Kuśmirowski (Lodz, 1973), ospitato nella Sala delle Ciminiere del Mambo di Bologna fino al 6 gennaio 2025. L’occasione è data dal 44/o anniversario della strage di Ustica e delle sue 81 vittime, per le quali il tempo non può portare all’oblio.

E' una mostra quindi che muove i suoi passi attraverso un'indagine sul passato, dice Lorenzo Balbi, direttore MAMbo e curatore mostra, e soprattutto attraverso a come gli oggetti non abbiano una possibilità di fine vita. Questo è quello che ci dice Robert Kuśmirowski. Gli oggetti non possono morire, possono solo continuare a vivere nella memoria di chi li ha posseduti e di chi li guarda, cercando di intraprendere un viaggio attraverso le storie che questi tramandano. Quello che interpreta l'artista è la figura di un immaginario custode di queste memorie, un immaginario custode delle chiavi; questo è un po' anche il tema della mostra, un custode di chiavi di archivi personali, di oggetti dimenticati che però vivono di una vita nuova, grazie a quello che il pubblico può trasporre della propria esistenza su questi oggetti.

Tanto fascino e lascito della civiltà egizia in 25 piccole opere d’arte straordinarie e dense, in un medagliere che si rivela ancora e che in questo quarto appuntamento racconta un pezzo di storia di 600 anni, tra il XV e il XXI secolo. 

Sono medaglie che vengono appunto definite egittizzanti, spiega la curatrice Paola Giovetti, 

perché ripropongono dei temi, delle tematiche e anche delle simbologie legate al mondo egiziano quando ancora il mondo egiziano non era totalmente conosciuto. Poi pian piano però queste medaglie testimoniano anche la nascita dell'egittologia perché ad esempio o ricorda eventi straordinari perché la cultura egizia poi comincia ad essere studiata scientificamente e seriamente.

Dai profili di intellettuali, religiosi, umanisti, ai musei, basiliche, piramidi, e tanti simboli naturali e massonici, per celebrare persone illustri ed eventi eccezionali come la campagna napoleonica, tutti in chiave egittizzante.

Su Napoleone, ad esempio, l'Egitto ebbe un gran fascino, continua Paola Giovetti, e lui capì che probabilmente utilizzare anche le raffigurazioni egittizzanti sulla propria produzione medaglistica poteva avere un significato anche per la sua propaganda personale, al punto che al dritto di una medaglia il ritratto di Napoleone è il ritratto in realtà di un faraone, cioè lui indossa il nemes che è il copricapo tipico del faraone.